Fundación BBVA-PhotoEspaña: la obra de Harold Edgerton

No fue un fotógrafo al uso. Su vena científica le llevó a indagar una y otra vez sobre la captación de la diezmillonésima parte del segundo para reproducir lo insondable. Es lo más sugerente y atractivo de este ingeniero eléctrico que fue el norteamericano Harold Edgerton (Fremont, 1903-id.,1990). La muestra –la primera retrospectiva que se lleva a cabo en España-  de 95 imágenes de este hombre del Renacimiento, se puede ahora disfrutar en la sala de la Fundación BBVA de Castellana 81 hasta el 25 de julio.

Lo que se escapa al ojo humano, lo imperceptible, lo fugaz,  fueron las máximas en el trabajo fotográfico de Edgerton, pero que también combinó con el lenguaje de un poeta que supo plasmar en papel todo un universo incognoscible para el sentido de la vista. Imágenes que vibran, “arquitecturas de lo invisible”, según las define José Gómez Isla, uno de los comisarios de la exposición. Capó magistralmente los momentos efímeros como balas atravesando naipes o frutas, explosiones nucleares capturadas desde varios kilómetros, y fue el  primero en detener las alas de un colibrí (aletea 70 veces por segundo). A Edgerton le fascinaba los experimentos  e investigaciones que realizaba en el Instituto Tecnológico de Massachusetts, lo que le llevó a patentar 47 inventos: desde el flash ultrarrápido (estroboscopio), capaz de hacer hasta 6.000 fotografías por segundo, y que no sólo permitía congelar el movimiento, sino que al ser de baja tensión, podía plasmar movimientos vertiginosos en diferentes fases de su ejecución. Además, abrió camino a las imágenes televisivas y de radar; trabajó en sistemas de registro submarino, que revolucionaron la arqueología marina (acompañó en numerosas ocasiones al oceanógrafo Cousteau). Sus imágenes fueron portada en muchas ocasiones del National Geographic y exhibidas en el MOMA. Su nombre figura  en el National Inventors Hall of Fame,Pero, además de ganar un Oscar por un magnífico corto-documental sobre sus métodos de trabajo, “Quicker than a Wink”, que se exhibe como broche de la muestra.  Para él,  “el arte puede hablar del ser humano”, dijo para referirse al contenido de sus fotografías. Y a pesar de todo, él nunca se consideró un artista.

Gran mosaico de la Pintura Latinoamericana

La vida (1933), de Pedro_Figari

La colección FEMSA (Fomento Económico Mexicano, S.A.) ha traído 43 obras de su espléndida colección (unas diez mil piezas) a la Sala de Castellana del BBVA. La exposición “Latitudes. Maestros latinoamericanos” recorre el mundo mostrando estas obras de artistas procedentes de once países de América Latina (Argentina, Cuba, Uruguay, Chile, México, Venezuela, Guatemala, Nicaragua, Colombia, Ecuador y Brasil ) y son un recorrido desde las vanguardias de principio del siglo XX hasta algunas propuestas de la pintura de posguerra, llegando hasta los años 80 del siglo pasado. Desde el cubismo (con la obra “El Grande de España («El ángel azul»)” de Diego Rivera), pasando por el surrealismo (con pinturas de Roberto Matta, Wilfredo Lam, Remedios Varo o Frida Kahlo), la abstracción y los informalismos (Joaquín Torres García, Francisco Matto,  junto a obras de Carlos Mérida, Oswaldo Guayasamín, Rufino Tamayo), así como piezas de los muralistas José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros, en definitiva, “ un conjunto representativo de los grandes de la pintura latinoamericana, además de un recorrido por los distintos lenguajes creados en Europa y traspasados a la pintura de estos artistas que los asimilaron añadiendo un toque muy personal”, según Rosa María Rodríguez Garza, jefa del Programa Cultural FEMSA y comisaria de la muestra. Esta exposición ha estado anteriormente en Argentina, Brasil y Estados Unidos y ha sido visitada por más de 300.000 personas. Aquí estará hasta el próximo 16 de mayo. No se la pierdan!!!

Artemisia Gentileschi y su “Judith y Holofernes”

¡Todo un reclamo para el disfrute de la retina!. Eso es la exhibición temporal (hasta el 2 de agosto) en el Museo Thyssen Bornemisza (gracias a la colaboración de la Embajada italiana y el patrocinio de Enel)  del lienzo «Judit y Holofernes», de la pintora italiana Artemisia Gentileschi (1593-1652/3), figura insólita en el panorama artístico de su época y una de las pocas mujeres que alcanzó fama en su tiempo. Tanto fue así que tuvo numerosos mecenas en Italia, Francia, España, e incluso llegó a trabajar en la corte de Inglaterra para el rey Carlos I. Si Artemisia dijo “mis obras hablarán por mí”, este soberbio lienzo, del que hizo varias versiones, lo realizó poco después de ser violada por un pintor amigo de su padre, Agostino Tassi. Quizás ella imaginó su posible “venganza” en la figura de Judith degollando a su ultrajador. De fuerte carga expresiva y compositiva, la obra cuelga en la segunda planta de la galería Villahermosa, muy cerca de la “Santa Catalina” de Caravaggio, pintor y amigo de su padre (Oracio Gentileschi) y del que ella fue una gran seguidora. 

Henri Matisse o la verdad del color

El líder del fauvismo y una de las grandes personalidades en la configuración del arte del siglo XX, Henri Matisse (1869-1954), experto en la expresión del sentimiento a través del color y la forma, está presente en las salas del Museo Thyssen hasta el próximo 20 de septiembre. Un artista que afirmó que “la exactitud no es verdad” o que “al buscar la forma más enérgica de color posible, el contenido carece de importancia” es, de facto, toda una declaración de intenciones que tradujo en su manifestación pictórica. Llevó al extremo eso de “sin pasión no hay arte”, otra de sus máximas.  Las obras que podemos contemplar (74 pinturas, esculturas y dibujos) son del periodo de entreguerras (1917-1941)  y provienen de los fondos de 50 museos y colecciones particulares. Un acierto por parte del Museo para esta deliciosa exhibición temporal es la ampliación del horario durante los meses de julio y agosto:  hasta las 11 de la noche (último acceso 10.15 horas), de martes a sábado.

Surrealismo Perplejo

 

Iturbide fotografiando a Edouard Boubat, 1998

 

 

Hasta el 6 de septiembre la Fundación Mapfre en Madrid expondrá 180 obras fotográficas de Graciela Iturbide, en las que la autora nos ofrece un recorrido por la realidad del surrealismo…. porque el surrealismo no es una impostura de nuestra mirada, sino que impregna la realidad como si fuera el apellido de quien nos presentan sólo por su nombre… y después descubrimos que tiene un apellido extraño. El surrealismo siempre está ahí, mirándonos perplejo, aturdido, aunque únicamente algunas cámaras lo captan… algunos habitan el surrealismo pero no lo expresan a través del arte…. y otros son la esencia y expresión del surrealismo.

hijos bastardos de dios

Migratory Mother, Lange

El Museo de Colecciones ICO en Madrid expone obras de Dorothea Lange hasta el 26 de julio en el marco de PHE09. Lange es a la Gran Depresión lo que Capa es a la guerra civil. Ambos han sido identificados -más bien entallados en- con la fotografía documental.  El tópico diría que Dorothea Lange ha extraído la vida, el movimiento dentro de la quietud, de aquellos infelices que el brillo de su cámara captaba mientras habitaban el lodo de la miseria. Algo así como la fotografía de la vida en lo mortecino. Sin embargo, también da la sensación de que Lange documentaba la resignación, una inercia de naturalidad esperando a que pase la epidemia, una especie de siesta arropada de mugre que espera el deshielo para continuar  afrontando las penurias que de todas formas llegarán. Los personas de Lange parece que han entendido que son hijos bastardos de Dios ocurra lo que ocurra.

by Dorothea Lange

Without Words

Paul Newman, por Enrique Meneses

El retratista de momentos

 

Mulas ante Canogar, Chillida y Saura, Café Florian Venezia

A Ugo Mulas se le encuadra en el neorrealismo italiano porque fotografiaba a personas en su medio natural. Sin embargo también podría recalificársele entre los menos realistas de los fotógrafos con sopor cinematográfico que la -a veces artificiosa y demasiado potente- categoría del neorrealismo rosselliniano o viscontiano trataba de engullir debido a nuestra pereza intelectual para apreciar las diferencias. Ugo Mulas tiene todas las rarezas de un cazador psicológico, empeñado más en captar la idiosincrasia del personaje en su escenario que la realidad neodesnuda. Los retratos de Mulas miran hacia adentro del personaje al mismo tiempo que pestañean hacia afuera aprehendiendo su envoltorio. El resultado es un retrato psicológico, pero no de un personaje, sino de un momento. Tal es la distinción entre Ugo Mulas y los neorrealistas… Mulas componía retratos donde la persona era un ingrediente del momento. El fotógrafo sin H dedicó buena parte de su obra a retratar a otros artistas [Warhol, Lichtenstein, Duchamp], como el Giacometti que reproducimos en una respiración tetradimensional, adquirida por el pestañeo de Mulas en la Biennale de Venezia en 1962.

Las fotografías de Mulas se exponen, con el patrocinio del BBVA, en el edificio del banco en Castellana 81 en Madrid.

 

 

 

 

Christie’s saca obras frescas de Hiepes, Zurbarán, Valdés Leal

 

Jardín con Frutas, flores y una fuente (Hiepes)

No es frecuente que salgan al mercado obras inéditas y de la calidad que la firma Christie’s incluirá en la subasta de pintura antigua y del Siglo XIX a celebrar los días 7 y 8 de julio en su sede londinense. Ahora, hasta el 4 de junio, se pueden apreciar en la sede madrileña de la firma tres piezas soberbias: un bodegón, Jardín con frutas, flores y una fuente (460.000 y 700.000 euros), de Tomás Hiepes (1600-1674); un lienzo que procede de una familia aristocrática titulado La Santa Faz (232.000 y 350.000 euros), de Zurbarán (1598-1664), y un San Sebastián (58.000 y 81.000 euros) pintado por Juan de Valdés Leal, que necesita restauración. Y ahora que Sorolla cuelga su gran antológica en el Prado, uno de sus descendientes ha entregado a Christie’s una pequeña colección de 33 dibujos preparatorios, esbozos y apuntes, que el prolífico artista valenciano ejecutaba casi compulsivamente. Las piezas se han agrupado en 12 lotes y destaca un dibujo de bueyes valorado entre 11.600 y 17.400 euros.

Sorolla inunda con “su luz” el Prado

Desnudo de mujer (1902). Colección particular

El Museo del Prado se lo debía, era cuestión de tiempo y, al fin, más de un centenar de obras de Joquín Sorolla (1863-1923) cuelgan en un museo que fue un santuario para el artista valenciano. Pintor prolífico, de gran formación académica -realizada entre Roma, Asís, París y Madrid-, degustó el éxito tanto en Europa como en Estados Unidos, y el reconocimiento de la crítica sólo fue superado por el éxito en el mercado que le demandaba continuamente obras. Sorolla supo conjugar con maestría la iluminación fulgurante con una paleta de colores suaves y abordar distintas temáticas con gran acierto: pintura social, que le brindó su primera fama en las últimas décadas del siglo XIX; los retratos y un desnudo ponen de manifiesto la profunda influencia de Velázquez en sus composiciones durante los primeros años del siglo XX; y las escenas a la orilla del mar y el paisaje. En la muestra, que estará hasta el 6 de septiembre, se exhiben los catorce paneles de las Visiones de España pintados para la Hispanic Society of America.