Fundación BBVA-PhotoEspaña: la obra de Harold Edgerton

No fue un fotógrafo al uso. Su vena científica le llevó a indagar una y otra vez sobre la captación de la diezmillonésima parte del segundo para reproducir lo insondable. Es lo más sugerente y atractivo de este ingeniero eléctrico que fue el norteamericano Harold Edgerton (Fremont, 1903-id.,1990). La muestra –la primera retrospectiva que se lleva a cabo en España-  de 95 imágenes de este hombre del Renacimiento, se puede ahora disfrutar en la sala de la Fundación BBVA de Castellana 81 hasta el 25 de julio.

Lo que se escapa al ojo humano, lo imperceptible, lo fugaz,  fueron las máximas en el trabajo fotográfico de Edgerton, pero que también combinó con el lenguaje de un poeta que supo plasmar en papel todo un universo incognoscible para el sentido de la vista. Imágenes que vibran, “arquitecturas de lo invisible”, según las define José Gómez Isla, uno de los comisarios de la exposición. Capó magistralmente los momentos efímeros como balas atravesando naipes o frutas, explosiones nucleares capturadas desde varios kilómetros, y fue el  primero en detener las alas de un colibrí (aletea 70 veces por segundo). A Edgerton le fascinaba los experimentos  e investigaciones que realizaba en el Instituto Tecnológico de Massachusetts, lo que le llevó a patentar 47 inventos: desde el flash ultrarrápido (estroboscopio), capaz de hacer hasta 6.000 fotografías por segundo, y que no sólo permitía congelar el movimiento, sino que al ser de baja tensión, podía plasmar movimientos vertiginosos en diferentes fases de su ejecución. Además, abrió camino a las imágenes televisivas y de radar; trabajó en sistemas de registro submarino, que revolucionaron la arqueología marina (acompañó en numerosas ocasiones al oceanógrafo Cousteau). Sus imágenes fueron portada en muchas ocasiones del National Geographic y exhibidas en el MOMA. Su nombre figura  en el National Inventors Hall of Fame,Pero, además de ganar un Oscar por un magnífico corto-documental sobre sus métodos de trabajo, “Quicker than a Wink”, que se exhibe como broche de la muestra.  Para él,  “el arte puede hablar del ser humano”, dijo para referirse al contenido de sus fotografías. Y a pesar de todo, él nunca se consideró un artista.

Crisis versus récords de artista

En medio de esta crisis global, seguimos perplejos por las desorbitadas cifras que se pagan por determinadas obras de arte. Y no lo digo por que no lo merezcan (¿qué criterios se argumentan para eso de merecer? ) sino porque otras piezas del mismo artista, que son singulares (no diré únicas porque cada pieza lo es, aun cuando se hayan realizado varias copias o existan varias de ella numeradas -algunas esculturas, por ejemplo-) no alcanzan esas cifras. La respuesta más justificativa por parte de los expertos (muchos de ellos, involucrados y comerciantes del mercado del arte y, por tanto, parte interesada del business) es que esas obras han estado preservadas durante mucho tiempo al público en general, o que una similar o de la misma serie está en un Museo, e incluso que no haya salido al mercado durante bastantes años…. Todo ello conforma una retórica valorativa de “venta”, de provocar ambición y anhelo de poseerla a los coleccionistas e inversores del arte.  La vanidad de poseer algo similar a lo que alberga un Museo, o que es una pieza rara y exclusiva, produce un revulsivo tremendo en el coleccionista.   Estos planteamientos se declararon acerca de una escultura de Amadeo Modigliani (1884-1920) que se ha vendido  en una subasta de Christie’s en París. “Tate” (una cabeza femenina de unos 65 centímetros, esculpida entre 1910 y 1912), que partía entre 4 y 6 millones de euros, se pujó hasta los 43 millones de euros, lo que se traduce en un triple récord: de artista, por una escultura suya, y como la obra más cara jamás vendida en Francia. Provenía de la Colección del creador de la cadena de supermercados Monoprix,  Gaston Lévy (1893-1977), un enamorado del arte que adquirió esta escultura en 1927, en una subasta en el Hotel Drouot de  París.

mARCO, un guiño al mejor “ARCO”

Sorprendente y creativa exposición en Aranjuez, una cita que tienen Vds hasta el 14 de junio. Las aproximadamente 300 obras de unos 150  alumnos de Bellas Artes CES Felipe II (Aranjuez) se exponen en el Centro Cultural Isabel de Farnesio de esa localidad, como trabajo anual  de fin de curso. Bajo el título mARCO, está inspirada en la propia feria de Arte Contemporáneo de Madrid, donde el pasado año se mostraron varias obras de algunos alumnos del CES. Los ámbitos donde se muestran las piezas hacen alusión a algunas galerías madrileñas como My name is Pepita, La Preysler, Juana de Aizporro, La casa apagada… Una muestra diseñada y montada por los propios alumnos, y cuya comisaria, María Jesús Abad Tejerina, una de las profesora del centro, es también una artista multidisciplinar. Pero vayan, vayan, y vean, una delicia de exposición.

Para el arte sí hay dinero

En pleno escenario de crisis global, el mercado del arte nos sorprende con ventas supermillonarias, con remates desorbitados y hasta cierta voracidad por adquirir obras hasta ahora inalcanzables. A comienzos de mayo, este mercado arremetía con otro récord mundial para una obra de arte y, por tanto, de artista.  Si en febrero pasado, un bronce de Giacometti, L’homme qui marche I, alcanzó los 104,6 millones de $,  ahora ha sido el lienzo Desnudo, hojas verdes y busto (1932) de Picasso el que le ha arrebatado el estrellato al rematarse en una subasta de Christie’s en Nueva York por 106,4 millones de $. La pintura, un retrato de Marie-Thérèse Walter, musa de Picasso a finales de los años veinte y en los treinta, corresponde a uno de los periodos más creativos del pintor y era la pieza más valiosa de la colección que formaron los estadounidenses Sidney Brody y su esposa Frances, cuya venta, por cierto, totalizó 224 millones de $. No cabe duda que este desorbitado precio ha sido porque era la primera ocasión en 50 años que la obra aparecía en público y se ponía al alcance de los coleccionistas. Tan sólo se había exhibido en una ocasión en Estados Unidos, durante una retrospectiva de la obra de ese artista ofrecida en Los Ángeles en 1961 con motivo de su 80 cumpleaños y se conocía solamente por la fotografía en blanco y negro que Cecil Beaton tomó en la casa parisina de Picasso en 1932. Y siguiendo con remates de locura, tres bronces de Giacometti: Grande tête mince (53,2 millones $), La Main (25,8 millones de $) y Le Chat (20,8 millones de $); además alcanzaron altos precios otros dos cuadros de Picasso, uno de 1955, Femme au chat assise Dans un fauteuil (18 millones de $) y otro fechado en 1964, Le peintre et son modèle (10,7 millones de $); un desnudo de Matisse de 1924 (15 millones de $); una pintura de Renoir  de 1903, Femme nue couchée, en 10 millones de $, la misma cifra que un comprador anónimo pagó por un óleo de Georges Braque, 
La Treille (1953-1954), nuevo hito de artista en subasta.

Unos días más tarde, la misma casa de subastas logra otra cifra de escándalo para un cuadro del norteamericano Jasper Johns que representa la bandera de USA, la adquirió Avery Galleries por 28,6 millones de $ en la sala Christie’s de Nueva York. Flag (pintada entre 1960 y 1966) está realizada con una técnica denominada encaústica, ya usada en el antiguo Egipto, en la que se mezclan los pigmentos con cera caliente y es un icono del arte pop. Fue comprada al artista hace treinta años por el escritor Michael Crichton,  fallecido en 2008.

Otro récord sonado fue para un reloj Patek Philippe vendido en Ginebra por Christie’s en 5,7 millones de $, sin olvidar el remate que logró una alfombra persa originaria de la ciudad iraní de Kirman, vendida también por Christie’s  (Londres)  en 7  millones de €, todo un récord para un trozo de tejido de 339 por 153 centímetros, eso sí, del siglo XVII. Es curioso que una pieza valorada entre 228.000 y 342.000 € se haya convertido en la obra de arte islámico más cara de la historia. Y tomen nota: en los trece primeros días de Mayo, Christie’s ha recaudado ¡¡ 653 millones de $!!, …¡ahí es ná!

Gran mosaico de la Pintura Latinoamericana

La vida (1933), de Pedro_Figari

La colección FEMSA (Fomento Económico Mexicano, S.A.) ha traído 43 obras de su espléndida colección (unas diez mil piezas) a la Sala de Castellana del BBVA. La exposición “Latitudes. Maestros latinoamericanos” recorre el mundo mostrando estas obras de artistas procedentes de once países de América Latina (Argentina, Cuba, Uruguay, Chile, México, Venezuela, Guatemala, Nicaragua, Colombia, Ecuador y Brasil ) y son un recorrido desde las vanguardias de principio del siglo XX hasta algunas propuestas de la pintura de posguerra, llegando hasta los años 80 del siglo pasado. Desde el cubismo (con la obra “El Grande de España (“El ángel azul”)” de Diego Rivera), pasando por el surrealismo (con pinturas de Roberto Matta, Wilfredo Lam, Remedios Varo o Frida Kahlo), la abstracción y los informalismos (Joaquín Torres García, Francisco Matto,  junto a obras de Carlos Mérida, Oswaldo Guayasamín, Rufino Tamayo), así como piezas de los muralistas José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros, en definitiva, “ un conjunto representativo de los grandes de la pintura latinoamericana, además de un recorrido por los distintos lenguajes creados en Europa y traspasados a la pintura de estos artistas que los asimilaron añadiendo un toque muy personal”, según Rosa María Rodríguez Garza, jefa del Programa Cultural FEMSA y comisaria de la muestra. Esta exposición ha estado anteriormente en Argentina, Brasil y Estados Unidos y ha sido visitada por más de 300.000 personas. Aquí estará hasta el próximo 16 de mayo. No se la pierdan!!!

El acabose del enajenado mercado del arte

Ahí la tienen. La hemos visto muchas veces porque su autor, Alberto Giacometti, la repitió hasta la saciedad.  Con pequeños matices, con diferentes medidas, pero en esencia, la misma, por más que los expertos resalten su singularidad al ser el único bronce de esta escultura que haya salido a subasta. Y paradojas del homo sapiens: hasta ahora ninguna de sus múltiples esculturas habían sido “merecedoras” de los 74 millones de euros que se ha pagado por L’homme qui marche I (183 cm de altura) en una subasta de Sotheby’s en Londres. No sólo ha fundido el récord anterior del artista sino que se ha convertido en la obra más cara de la historia en una venta pública. Y eso que se trata de una pieza numerada (2 de seis), amén de las cuatro pruebas de artista que Giacometti fundió en 1961 en París. Anteriormente esta obra formó parte de la colección corporativa de Dresdner Bank AG, y pasó a ser propiedad del Commerzbank AG tras la compra del Dresdner Bank en 2009.

El Zurbarán más caro que nunca tocarán tus ojos

Este cuadro, Santa Dorotea con una cesta de manzana y rosas (180,2 por 101,5 cm.),  que llevaba en Estados Unidos desde los años veinte del siglo pasado, ha logrado una nueva marca (4,2 millones de dólares) para el artista en una subasta de pintura antigua que Sotheby’s ha celebrado en Nueva York. De un coleccionista neoyorkino ha pasado ahora a manos de otro, pero europeo, hecho que evidencia la dificultad  que podamos contemplarlo en directo, es decir, tocarlo con los ojos. Es de los pocos que siguen aún en manos privadas. Zurbarán pintó varios cuadros de vírgenes y mártires (Museo del Prado, Thyssen-Bornemisza, National Gallery of Ireland, Hispanic Society, etc) todas de cuerpo entero, con el sello que imprimía de fuerza en el color y en la pincelada, todo un alarde de moderna sensibilidad que es difícil encontrar en cualquier otro pintor de la época. Otro artista que marcó récord (6,8 millones de dólares) fue Hendrick Goltzius con el cuadro Jupiter y Antíope, pero la obra más cara de la subasta fue el lienzo Dos estudios de un hombre barbudo (7,2 millones de dólares) firmado por Anthony Van Dyck.

Mr. Pesc

by Tordo

Matadero Chino

La hora de China en el Matadero de Madrid. Artistas chinos se expresan a través de instalaciones en cuyo interior dejas de pisar el suelo, aterrizando en la mente de una obra ejecuta con códigos escritos en vertical. En el Matadero puedes descodificarte cosiendo en un taller clandestino o volando a través de la descomposición biológica del ser humano en su acción devastadora sobre la tierra; puedes verte por el ojo de una cerradura para compartir olores con un calcetín o contemplarte creciendo en plata a través de una manzana. Es el ideograma de China escrito sin tinta.

ideograma escrotal. Tordo

Finalismos del XIX

Monet

Noventa obras maestras (del final de la década de 1860 al inicio de la de 1880) que colgaban en el Museo d’Orsay, han aterrizado en la Fundación Maphre (Paseo Recoletos, 23) y estarán hasta el 22 de abril, por motivos de renovación de las instalaciones del museo parisino. Impresionismo. Un nuevo Renacimiento, es una muestra sorprendente, no sólo por el gran número de obras extraordinarias que se han traído, sino porque la tercera parte de ellas son piezas que no suelen prestarse ya que pertenecen al olimpo de la Historia del Arte. El impresionismo –como cualquier ismo- es el resultado del afán del hombre por la innovación. Pero en el terreno artístico, lejos de lo científico, está en consonancia con lo metafísico, un “reinventar”, a veces “recuperar” con otra mirada, el pálpito de esa necesidad del ser humano por “interpretar” el entorno y plasmarlo en los diferentes lenguajes de las bellas artes. Un nuevo Renacimiento es como “echar la vista atrás” pero transformándola. Y, curiosamente, aun cuando al principio no fueron aceptados en el Salón de París por lo rompedor de sus códigos (luz, pincelada, temática, técnica, instantaneidad…), armonizaron perfectamente con el arte clasicista: academicismo y realismo. Así, prepárense para que, vía retina, su cerebro almacene toda la belleza que encierran las obras de Manet, Renoir, Monet, Cézanne, Sisley, Millet, Courbet, Bouguereau, Moreau, Bazille, Whistler, Bouguereau, Stevens, Carolus-Duran …